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日志

 
 

如何做中国艺术经纪人(全)  

2016-12-06 00:43:18|  分类: 艺术与设计(%) |  标签: |举报 |字号 订阅

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— 从加山又造的经纪人村越伸先生采访记谈起 
   
  80年代末,我曾以中央美术学院画廊主任的身份,三次赴日考察艺术市场。当时的日本美术市场处于鼎盛期,仅东京银座一条街上就有360多家画廊,中等画廊的年收入也可达一亿日元。90年代,随着日本国民经济的“不景气”,画廊业也日渐衰微,当年以数千万美元高价从欧洲买进的梵高的大作,近年也只能在日本以200多万美元的价格拍出。 
   
  目前,针对中国画廊业的兴起,重温我那时带回的学习资料,倍感亲切。尤其是日本画界成熟的经纪人的经营经验,更值得我们借鉴。 
   
      
  村越伸先生是日本美术经纪人中的“泰斗”。他所经营的村越画廊,享有“无画不从村越买”的美誉。他是加山又造的终身经纪人。早在二次大战刚刚结束的1948年,当时的日本画廊业还处于萧条期。独具慧眼的村越伸为那时并没有名气的3位画家举办了集体画展,在美术界形成了新的画风。年仅21岁的加山又造一举成名。 
      
   
  下面是1988年,日本一家美术手帖的杂志主编野村羲博采访村越伸的日文摘译以及我的读后感,呈此,或对关心美术市场的中国读者有所补益。 
   
  问:村越先生是不是曾经在报纸上发表过以“一位画商,在他成为商人之前,首先得是一位美术爱好者”为内容的文章? 
   
  答:我接触美术作品时,出于收藏家的一种心理,只想对自己看着不错的作品进行买卖。如果周围有好的作品,真想悄悄地收为己有,就连店伙计也想瞒过。但这只是一种想法而已。但再小也是个公司(指:村越画廊——译者注),增加利润,才能给职员发放薪水,所以不能由着性子来。 
   
  村越先生在这里强调的是做画商,先做美术爱好者,见了好画有一种“收为己有”的强烈欲望。而中国当今的美术市场中,多数经营者首先关心的是“钱”,不是“画”。就像房地产商,他们关心的并不是自己要住房。通过炒作挣到钱,才是他们的终极目的。一张名画在画商之间“击鼓传花”般地传来传去,最终的“得花者”认为这不是“福”,而是“祸”,被别人抓了“冤大头”,一脸沮丧,苦不堪言。试问,一个没有“终极客户”的美术市场,还能称之为市场吗?这正是近年中国的艺术拍卖在一阵爆炒后悄然衰微的真正原因。 
   
  问:现在随处可见不注重作品本身,只是跟着潮流走的画商。“画”与“商”要是分开,就会过份偏向于“商”,缺少对新人的发现与培养,不会好好保管自己手中的作品。是不是这个成为村越先生在30年前,组织起比喻为“三套无名马车”的横山操、石本正、加山又造等3名有创见的画家,举办“轰会”的原因”?   
   
  答:如果“画”不作为流通商品,就不会有“商”的市场交易。“画”的“商品化”促进它的成长使它走向成熟。但要二者保持平衡不是件容易的事。刚开始创建“轰会”时,资金短缺。如果弄不到资金,村越画廊也办不下去了。心里很是着急,但已经没有退路了,只有希望寄托在3位艺术家的身上,为了成功想方设法。从那以后,我就按我的想法展开工作,即使1948年美术界不景气,也没给“轰会”成员带来价格猛跌的损失。 
   
  村越先生对“画”与“商”的问题做了中肯的分析。这对我们认识今天的中国美术市场,也有现实意义。在改革开发的初期,我们重“画”轻“商”,在市场经济的形势下,我们又轻“画”重“商”。至于说,在市场经济的条件下,利用“画”的“商品化”,促进对美术界新入的发现与培养;反之,有实力的新人创作,又促进了画廊业的经济发展——这一画商与画家之间的共生死、同发展的命题,对我们来讲,还是十分生疏的。 
  (续上期)综上所述,我们了解到了村越伸先生的经营经验。作为中国的艺术经纪人又该如何做起呢?我从多年的实践经验与思考中,提出以下主张,供业内人士参考: 
   
   
   
  一、与画家共同创造 
   
  正如村越先生所提到的,艺术经纪人是画家创作的第一个鉴赏者,第一个批评家。因此说,经纪人可以直接参与画家与创作,可以共同创造新艺术。 
   
  这在历史上不乏其例。如俄国的“二月巡回展览派”,经纪人兼收藏家巴维尔·米哈依洛维奇·特烈恰科夫对于画家的支撑作用,与大批评家别林斯基与车尔尼雪夫斯基相比,也是同等重要的。更为感人的是梵高的胞弟泰奥,如果没有泰奥作为经纪人发现艺术天才的睿智眼光以及经济上的支持,就没有梵高的艺术。 
   
  中国的艺术经纪人所需要的第一个品格就是超群的艺术眼光。他们应独具慧眼去发现人才,扶植人才并依靠人才。中国的画坛,当前正亟盼人才,亟盼巨匠之才,以无愧于当今现实社会巨变的伟大时代。经纪人必须充分依靠自身操纵舆论、从事社会运作的能力,从社会与时代的需求出发去培养人才。 
   
  经纪人在发现并培养人才的过程中,必须旗帜鲜明地提出自己的价值标准。一个没有自身风格的经纪人绝不会培养出风格鲜明的画家。 
   
   
  我认为目前应强调三条标准: 
   
  1、鼓励创造,反对重复。 
   
  包括国外的很多经纪人在内他们害怕画家的风格不稳定,影响作品在市场的定位,使到手的买卖溜掉了。所以,他们希望画家按照一种定型的样式不断地画下去,直到市场枯竭。这使很多画家(包括旅美画家)虽然很出名,和经纪人一起获得了丰厚的经济价值,但其绘画作品的艺术价值却日渐枯槁。 
     
  艺术的价值贵在创造。如果一个画家总是在那里不断地重复劳作,重复着至死不变的固定样式,这是很危险的。前几年,当中央美院的很多青年画家都被境外经纪人代理时,一时间急煞了不少富有才华的青年人,他们只有二三十岁,却匆忙间找了一块空地,种上“样板田”,确立起所谓的艺术样式,以寻求经纪代理人,实现市场定位。其实,正当他们起劲地重复着自己的绘画劳作时,其艺术生命已悄然窒息了。 
   
  笔者在画廊工作中也曾尝试过“承包画家”的方式。但是,一旦我发现画家在每日每月地重复着自己的固定模式时,就坚决停止收购。我坚信,这样收购的作品是没有艺术价值的。但是,这并不等于说从根本上否定“艺术样式”。应该说,艺术的形式规律中包含了“艺术样式”这一范畴。一位天才画家,一生追求一种特定的风格样式,也是屡见不鲜的,但是,我认为这仍然是一种不断的创造。样式规定了创造的方向,绝没有扼杀创造的生命。样式为画家提供的是一片广阔天地,而不是一条雷同的石阶。 
   
  2、鼓励精品意识,反对纯商业化倾向。 
     
  近几年,由于美术经纪人(包括画廊、艺术公司及拍卖行)的误导,美术市场中刮了一股“细作风”,即:无论国画、油画,只要能画“细”,画“密”,画“像”,就是“卖相”,就有“价值”。这股“细作风”一直殃及专业性的全国美展,很多年富力强的画家都在相互竞赛“细作”的本领。 
   
  对一般商品而言,它的价值取决于产业工人在生产活动中投入的劳动量及其使用价值。而就绘画作品而言,它的价值首先取决于画家的艺术创造性,而不是他作画时的劳动量。创造性应占一幅画价格含量的80%以上。举例说,齐白石在一个金黄色的大葫芦上画了一只红黑两色的小甲虫,这幅画就其劳动量而言,不过是“挥手之间的劳作”,但就其精神性与创造性,以及在绘画史中所占据的独特地位而言,却是“价值连城”的。 
   
  作为经纪人,还必须学会区别绘画艺术品与工艺美术品,特别是手工艺品。例如翡翠玉器中的透雕,鼻烟壶中的彩画,确实要讲工艺,讲功夫,讲劳动量。尽管玉器工匠在应物象形的构思中同样具有随机性、想象力和艺术天才,但说到底,一件工艺品的价值含量,创造性与劳作性相比,仍然是三分智慧,七分劳作。  
     
  因此,在文化市场中,艺术经纪人不能借口“卖相好”,一味提倡“细作风”,强求画家从事“过细过密过像”的“密集型劳动产品”。除非画家主动选择某种特殊的艺术风格,如“细密画”,或是超级写实主义的表现手法,这是两回事。 

3、鼓励本土文化的再创造,反对尾随西方文化中心主义的盲目仿造。 

近几年,很多热心现代艺术的中国画廊纷纷推出一批有超前艺术观念的青年人的作品。应该承认,实现中国绘画的现代化,是现代化社会提出的文明需要,也是具有历史骄傲的中国绘画在今天发展的必然趋势。从这一意义上讲,这批青年画家勇于尝试的胆识是值得肯定的。但是,经纪人与批评家有一种误导:似乎西方文化中昨天与今天发生的现代艺术就是中国的明天,这是认识上的误区。对西方现代文明的借鉴与交流,是我们永远需要的,但是这绝不能代替我们自己的创造,更不能取代我们的本土文化。很多画廊举办的装置艺术、观念艺术、声像艺术、行为艺术等,问题并不在于这些艺术形式,而是在于这些样式与精神内涵是对西方文化的简单重复,因此,虽然鼓噪一时,招来不少西方看客,但终因缺乏创造性以及与本土文化的联系,而夭折于幼小。 至于有些画廊经纪人刻意鼓励画家在创作中追求“性暗示的刺激性”以及打“政治上的擦边球”,虽然能召来少数西方收藏者的兴趣,但已实属无聊了。
 

二、植根中国的本土文化,依靠中国的收藏家与消费群体 

在中国做艺术经纪人,当今第一个苦恼就是国内尚未形成艺术大市场。艺术博览会连办数届,始终是卖方市场,买方成交额不及卖方开办费。艺术拍卖活动中,最终客户的增长速度赶不上每年拍卖行增加的幅度。当爆炒爆作的中间商找不到最终客户时,便悄然隐退,引来了拍卖行的冷落。80年代一度兴盛的画廊业,当时的经纪人主要是面向国外市场的。90年代,当外国人的购买热情渐渐冷却的时候,中国的美术经纪人多数在引颈观望,举棋不定。 

中国的艺术大市场有两个形成的基本条件:一是国民经济的发展;二是国内收藏家队伍与消费者群体的形成。 

首先要靠经济发展。按西方经济学者的预言:一个国家的国民经济产值的人均收入达到八千美元的时候,才有可能形成国内的艺术品收购市场。中国的艺术经纪人,不能按西方人的这个时间表来安排我们的工作。事实上,中国经济发展之势,举世瞩目,再加上中国社会优秀的文化传统以及经济内部发展的不平衡性,在中国的少数大都市中,已经初步形成了自己的艺术市场。 其次是通过全民教育与重点培养,造就国内收藏家队伍与消费者群体,这正是我们的当务之急。 

一个国家,一个民族,它的绘画珍品是植根于本土文化的,是靠广大的收藏家与消费群体形成文化市场,并实现社会文明的。换言之,有什么样的收藏家与消费群体,就有什么样的艺术市场与社会文明。 历史上,没有热心的欧洲收藏家与消上的一颗巨星陨落了”。正是俄国收藏家烈奥·斯泰因兄妹,扶持并推动了毕加索迈出了这大师级的一步。中国清代的“州八怪”,也是靠一批盐商富贾,支撑了这一流派。商贾们一味追新求异,刺激了画家的创造性与变革性,这在美术史上占据了光辉的一页。但是,商贾们来去匆匆,四处漂泊,既无深厚的文化底蕴,又不愿花时费力去品赏绘画,因此,他们扶持的绘画与历代名画相比,少了点大气磅礴的气势与精雕细琢的功力。可见一个时代收藏群体的生活节律与文化秉性可以直接影响一个时代的绘画风貌。 

因此,中国要在下个世纪初形成艺术大市场,必须从全民的美术教育入手,培养出当代的商品位的收藏家与消费群体,才能呼唤出新时代的高雅艺术。蔡元培先生“以艺术代宗教”,拯救民族灵魂的口号以及实现全民族的美学教育的思想,今天看来仍不失其现实意义。 

目前,中国的大学生开始补上音乐欣赏课。中国的教科书中向来把体音美中的“美术”排在最后。法国的中学课本中有世界美术简史,中国的大学生们什么时候补上美术欣赏课呢? 同时,画廊、艺术公司的艺术经纪人应利用办刊物,发广告,开讲座,办卓有成效的大型画展,普及美术知识,促进收藏家协会与美术消费者协会的建立并与他们保持联系,倡导收藏高雅艺术品,并为此做出规则。 
笔者认为未来中国艺术市场的发展走向大体上要经过以下三个阶段: 
名画复制品——复数性艺术品——当代艺术原作

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